El ser humano como especie inviable, como proyecto fallido.

A un ritmo cada vez mas acelerado, la especie devora los recursos naturales necesarios para su propia supervivencia. Los actos desmedidos de consumo y de irresponsabilidad con el entorno han forzado en el planeta un cambio climático y una extinción masiva de otras especies que raya en lo apocalíptico. A este ritmo y si no se replantean estructuras mentales de fondo, nuestra suerte como especie esta echada. Propongo en esta exposición una abstracción de un mundo post-humano a través de un simbolismo árido en el cual aparecen residuos de nuestro paso: pequeñas reliquias que, desligadas de contexto, coherencia o explicación, están cargadas de patetismo.

Planteo aún algo de esperanza en el poder resistente de la naturaleza para recuperarse pero también el inminente colapso de muchas estructuras humanas, económicas, mentales e incluso físicas dado el caso que no se corrija el rumbo, y se haga ya.

En el décimo aniversario de la muerte de Enrique Grau, su fundación convoca a participar en la primera edición de un premio en cinco categorías de las bellas artes.

A partir del 9 de enero de 2015 y durante cuatro días, en medio de la atmósfera cultural que envuelve a Cartagena,

25 galerías de arte de Estados Unidos, España, Argentina, Brasil, Venezuela, México, El Salvador, Costa Rica, Cuba,

Perú y Colombia, exhibirán, en los Hoteles Bóvedas de Santa Clara y Casa Pestagua, importantes obras de arte moderno

y contemporáneo  de prestigiosos maestros y talentosos artistas de diferentes lugares del mundo,

en un despliegue maravilloso de pinturas, dibujos, grabados, esculturas, arte objetual, performances, instalaciones,

fotografía y video, para el deleite de ciudadanos y turistas que por la época estarán en Cartagena.

El público, en ART/Cartagena tiene la posibilidad de apreciar buen arte, de conocer las propuestas nuevas de los creadores,

de relacionarse con curadores historiadores, críticos de arte, y coleccionistas, de conocer el trabajo que están adelantando los gestores y líderes culturales.

La cuarta versión de Odeón, Feria de Arte Contemporáneo abre sus puertas del jueves 23 al domingo 26 de octubre de 2014.

Consolidada como la principal feria alternativa del país, ésta reune 16 galerías emergentes –ocho nacionales y ocho internacionales-

y 2 project walls con las mejores propuestas de arte contemporáneo.

La Feria Odeón tiene el propósito de dar a conocer artistas jóvenes e integrarse al mercado del arte en Colombia y Latinoamérica.

Además de la muestra de galerías y project walls, la feria contará con tres intervenciones artísticas de sitio específico,

y con un espacio académico de charlas con invitados nacionales e internacionales que girarán en torno al coleccionismo y el mercado,

y también sobre las nuevas propuestas de investigación y exposición de arte contemporáneo.

La serie Utopías plantea tres grandes inquietudes. La primera

propone una crítica y a la vez rinde homenaje a los ideales del

modernismo a partir de la alteración de las geometrías puras y las

superficies pulcras; alude a los conceptos de los “godlike minimalist

objects”, que en su abstracción pretendieron “acabar con la historia”

y redefinir el rumbo de las sociedades del siglo XX. Es crítica en la

medida en que señala lo utópico de esos ideales y es homenaje, pues

suma la imperfección del mundo postmoderno a ése ideal y le da

nueva vida, por obsoleto que parezca hoy.

La segunda, trata el concepto del valor en el imperfecto. La sociedad

occidental da un inmenso valor a la “perfección” de la forma.

Utopías propone, a través de formas imperfectas, una estética más

acorde a las realidades del mundo actual. Integra la imperfección a la

forma pura y la recubre con la mística de “objeto valioso”.

La tercera, responde a preguntas formales sobre material y volumen.

Dentro del marco de un material rígido, duro y de unas geometrías

inflexibles y precisas, el proceso escultórico busca producir ductilidad,

formas orgánicas y fluidez, creando una doble lectura sobre la

acción aplicada por el artista a cada obra.

Entrevista en ForoTV: https://vimeo.com/90331786

Una exposición de 9 artistas entre colombianos
y extranjeros con una propuesta diferente en técnicas mixtas.
Escultura, fotografia, cerámica, pintura e instalaciones de telar.

Reseña de la revista Chilango

http://m.chilango.com/arte/expo/2012/05/11/vacio-de-daniel-lozano

Verónica Sánchez Marín

Las argucias del software, los juegos del montaje la paleta con que las computadoras rebasan la retina. No son artilugios truculentos sino, al contrario, un instrumental sumiso, uno que lejos de pesar sobre su estilo, lo aligera. Desde el 2004, el trabajo de Santiago Lozano (Bogotá, 1972), es el resultado de un proceso donde la computadora y los programas de diseño hacen las veces de pinceles, brochas y pigmentos para producir obras en formatos convencionales.

Fusionar una de las artes más tradicionales con las nuevas potencias de las tecnologías permite a Lozano una obra rica en texturas, más cerca de la abstracción que de la figuración. A pesar de ser pintura digital, cada obra suya es única y singular, creada para ser reproducida una sola vez, gracias al ingenio del artista que utiliza una técnica de impresión conocida como gielé.

La muestra Vacío, inaugurada el 9 de mayo en la galería X espacio de arte y con vigencia hasta el 30 de mayo, está conformada por 17 obras en pequeño y gran formato, que combina –como en sus anteriores obras–, materiales reales (acrílico, lápiz, fotografía) digitalizados e impresos en un lienzo especial bajo una resolución impecable. En estas piezas el artista imprime pistas para descifrar un imaginario, que de haber sido explícito, sería de objetos reales como alambres, clavos, puntillas, flores, y sogas, elementos envueltos en un halo entre la feminidad más delicada y una rabia autodestructiva.

Uno puede detectar en la obra de Santiago Lozano huellas del impresionismo abstracto, del surrealismo, evidentes referencias a la abstracción pura. El nuevo planteamiento de la pintura y el arte digital que propone este artista es una interesante mirada hacia el siglo XX como fuente pictórica. Y es que quizá el futuro tiene que ver con las nuevas técnicas.

Con Vacío, Lozano reivindica, sobre todo, la importancia de los conceptos más allá de los objetos, del resultado final más allá de los procesos artísticos.

Una muestra de pintura digital en formatos medios y grandes. La exploración del concepto de “pintura” desde una perspectiva postmoderna: dibujo, pintura y fotografía mezcladas e intervenidas unas con la otra.

Reseña de la revista ArtNexus

http://www.artnexus.com/Notice_View.aspx?DocumentID=19941

María José Ramírez

La producción plástica de las nuevas tecnologías, en general, deja atrás los soportes tradicionales y opta por los medios digitales como forma final de presentación de las obras. En un proceso inverso, el trabajo de Santiago Lozano tiene la particularidad de utilizar los medios digitales como herramienta para producir obras en formatos convencionales. Específicamente, hablamos de cuadros sobre lienzo que son el resultado de un proceso donde el computador y programas de diseño hacen las veces de pinceles, brochas y pigmentos, para “pintar” virtualmente y luego, mediante impresiones de gran formato, “estampar” el lienzo con un resultado impecable.

Por su desempeño en el medio del diseño y la publicidad, el devenir creativo de Lozano intencionalmente se aparta de la interacción del pintor de caballete con sus materiales. Al componer y descomponer, probar con un trazo y otro, con una textura u otra, el artista ejerce un control casi obsesivo sobre su proceso creativo y depura al máximo el margen de error de una línea equivocada, de un color que por exceso se contaminó, de un emplasto con volumen en plena tela, y establece casi afiches que son a la vez una exploración pictórica. Con esta técnica combina elementos reales y físicos, como trazos de lápiz, carboncillo y pastel o acrílico y acuarela, con elementos fotográficos y objetos reales. Todos estos elementos son digitalizados a través de un scanner de alta resolución, en muchos casos aumentando drásticamente su tamaño y su textura. Luego el computador funciona como un artífice del collage, combinando, dando color y componiendo todos esos elementos. Una vez está la imagen en pantalla a satisfacción del artista, se envía el archivo digital a una impresora que logra lo que conocemos como giclée, de altísima resolución (4000 dpi) y a 12 tintas (4 cyan, 4 magentas, 3 amarillos y negro). Esta “pintura digital” no tiene otra justificación que la de la practicidad de poder combinar muchas herramientas de manufactura directa sobre el lienzo con efectos tecnológicos y complementarios entre sí.

En esta, su primera exposición individual, reúne 16 obras desarrolladas durante los últimos tres años, en torno al tema de los estados anímicos del ser humano bajo el título Catarsis. Con este, se permite exteriorizar momentos y reflexiones desde un ángulo íntimo y muy personal, referenciando sus propias vivencias a nivel de relación con el otro, de cavilaciones sobre el entorno inmediato y de la conducta humana en general. Esa parte conceptual evoca emociones y pensamientos que el artista traduce en términos visuales “brochazos amplios y burdos, trazos sueltos y casi infantiles de lápiz y pastel, rotos, cuerdas y puntillas” cada uno de los cuales tiene un claro significado racional y/o emocional. “Esa catarsis de mi alma, la completa lo que el espectador pueda inferir o sentir en cada cuadro”. Por eso no puso los títulos de las obras en la pared buscando que el espectador se apropiara de cada cuadro de una manera muy personal con interpretaciones intuitivas. Casi como esas pruebas Rorschach que se usan en psicología, en las que el espectador ve una mancha y dependiendo de su estado emocional y sus condiciones infiere algo de ella.

Una de las obras más llamativas de la exposición está compuesta por un enorme aro centrado en el lienzo de 150 x 150 cm, en marrones y rojizos con trazos en diferentes texturas como de pasteles, carboncillo y acuarela. Un segmento de la circunferencia está atravesado por alambre de púas. El aro simboliza el ciclo sinfín de lo rutinario, como la entrada a un túnel sin luz al final, que se refleja en la soledad de una persona que se atrapada y torturada por su propia soledad y que no encuentra como romper con esa situación.

Otra obra interesante es un formato horizontal-rectangular, con fondo de texturas ocres y pálidas como las páginas de un libro antiguo. En la parte inferior, la imagen difusa de una soga que se va deshilachando lentamente, se ve barrida por un brochazo en varios tonos de rojo. Representa para el autor el doloroso proceso, casi imperceptible del alejamiento entre dos personas. Donde la falta de comunicación y donde el halar cada uno para su lado, va rompiendo inevitablemente hasta los vínculos que podrían parecer más sólidos.

Así, Lozano va reclamando como suyos algunos elementos que se vuelven recurrentes en su obra. Como los objetos constrictores y punzantes (la soga, el alambre de púas) y otros que denotan desasosiego y un espíritu algo torturado (tachuelas, espirales repetitivos, contundentes manchas que resaltan esos objetos minimalistas dentro de fondos abstractos). Cabe resaltar que lo rígido de la técnica tan “limpia” y controlada, logra un contraste especial con el carácter sensible del temperamento del artista muy involucrado con un afán de entender la psiquis propia y de los otros y que se cuestiona constantemente sobre nuestra existencia.

Tercera versión del prestigio Premio Botero, organizada por la Fundación Jóvenes Artistas Colombianos, con el objetivo de hacer conocer y abrir espacios al joven talento nacional.

El jurado, presidido por el señor John Sillevis, director del Gemeentemuseum de La Haya, junto con el señor Pascal Bonafaux y el Maestro Safet Zec de Bosnia, tuvieron la responsabilidad de seleccionar los participantes del Salón.